NFT-Kunst

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By Greg Hall Published: September 21, 2021
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Wenn es um die Kunst aus nicht-fungiblen Token (NFT) geht, ist Geld normalerweise das Hauptgesprächsthema: Dieses NFT-Kunstwerk wurde für 100.000 USD versteigert oder dieses hier wurde für 69 Millionen USD verkauft.

Aber die NFT-Kunst ist so viel mehr als nur der Preis, zu dem ein Token verkauft wird. Für viele Künstler bedeutet sie die Neugestaltung eines Mediums, das sich eine neu entstehende Technologie zu Nutze macht, und die Realität einer datenbasierten digitalen Welt besser reflektiert.

Die Bitcoin Association spricht mit den zwei Künstlern Roma Soida und Francesco Buonfino, deren Arbeit auf der BSV-Blockchain via BullishArt veröffentlicht wird, darüber, wie sie die NFT-Welle sehen und welche Auswirkungen diese ihrer Meinung nach auf die Kunst, Künstler und Kunstkenner haben wird.

KÜNSTLERPROFIL: ROMA SOIDA

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Roma
 

Roma Soida ist ein russischer interdisziplinärer Künstler, der kürzlich die Matches Box-Reihe aus NFT-basierter Kunst auf der BSV-Blockchain kreiert hat.

 

Erzählen Sie mir etwas über sich, Ihren Hintergrund und darüber, wie Sie Künstler geworden sind.

In der Anfangsphase meiner Arbeit sind viel naive Kunst (Außenseiterkunst) und von Institutionen unabhängige Projekte aufgekommen. Ich komme aus der sibirischen Stadt Krasnojarsk; für mich war die kreative Arbeit eine Möglichkeit, meine eigene Identität aufrechtzuerhalten. Als ich meine Welt basierend auf meiner eigenen individuellen Mythologie aufgebaut habe, habe ich mir Kindheitserinnerungen oder sogar noch ältere Bilder ins Gedächtnis gerufen. Als wissenschaftliche Methode habe ich mich an die psychoanalytische Methodologie der Kulturforschung gehalten.

 

Wie würden Sie Ihre Kunst grundsätzlich beschreiben?

Bilder bestanden aus Eindrücken des Unterbewussten. Sie berichteten über die Mystik der inneren Welt voller Einsichten, die aus den Tiefen des Unterbewusstseins kommen. Mir ist es gelungen, eine riesige Vielfalt von Aufgaben zu bewältigen, allerdings mit begrenzten Werkzeugen, und die Regel der Methode war es, sich mit „improvisierten Möglichkeiten“ auszudrücken.

Mit nur sehr begrenzten ausgefallen Werkzeugen und Materialien habe ich beinah alle gemeinnützigen Projekte und Grafikreihen unter meinem Alter Ego ADIOS AMOR veröffentlicht.

Die primitive künstlerische Erfahrung ist in erster Linie eine existentielle Erfahrung und sie wird keineswegs nach den Gesetzen der Kunst erfahren. Die Mystik steht der Naturwissenschaft mit ihren bewiesenen Gesetzen und der allmählichen Erlangung von Wahrheit gegenüber; und das Primitive steht der konventionellen Kunst gegenüber, die den Abschluss an einer bestimmten professionellen Schule voraussetzt.

2018 habe ich mit dem Gemälde „Every Heart Seeking Affection” (https: //www.romasoida. com / untitled) den Hauptpreis des Untitled Prize “Artist’s Life” gewonnen. Der Preis war ein zweijähriger Kurs an der British Higher School of Art and Design im Institut für Zeitgenössische Kunst.

Momentan bin ich im Begriff mir neue Überzeugungen und Kompetenzen im Feld der zeitgenössischen Kunst zu bilden; gleichzeitig versuche ich auch, meine Identität nicht zu verlieren. Die Hauptforschungsansätze unserer Zeit sowie die umfassenden Probleme bei der Untersuchung der modernen Kunst, tragen zur Ausbreitung der Methoden und Kriterien bei, die für die Beurteilung der kulturellen Umgebung genutzt werden. Mir wurde, aus empirischer Sicht, eine einzigartige Chance zuteil, den Unterschied zwischen unabhängigen und institutionellen Ansätzen in der Kreation von Kunstprojekten zu beobachten. Diese Unterschiede zeigen sich auch in meiner Arbeit – wie ein Rebell, der unter Spießer geraten ist, kultiviere ich mich.

 

Wie ist es zum Projekt Matches Box gekommen? Können Sie uns Ihre Vision für dieses Projekt beschreiben?

Wie bereits erwähnt fühlte ich mich von Pop Art und der Medienkultur inspiriert, die sich mit der Tatsache kreuzten, dass ich eine Streichholzschachtel besaß, die zu einem Gegenstück zur Coca-Cola-Dose wurde, die wir jeden Tag benutzten (wir hatten einen Gasherd). Es war ein Aspekt des Selbstausdrucks, mit dem ich mich von anderen Künstlern unterschied. Außerdem wurde sie zu einer Art Visitenkarte – eine gemalte Streichholzschachtel, die ich Leuten gab, die ich zum ersten Mal traf, oder einfach im Hotel zurückließ. Und diese digitale Serie ist eine Art Tribut an meine Geschichte und gleichzeitig der Übergang zu einer neuen Bildebene.

KÜNSTLERPROFIL: FRANCESCO BUONFINO

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Alphabet
 

Erzählen Sie mir etwas über sich, Ihren Hintergrund und darüber, wie Sie Künstler geworden sind.

Ich wurde 1989 in Benevento geboren. Ich lebe in Mailand. Dorthin bin ich bereits sehr früh mit meinen Eltern gezogen.

Ich habe mich schon als Kind der Kunst angenähert: Meine Mutter war Bildhauerin und mein Onkel besaß eine Galerie, so dass ich inmitten von Werken, Ausstellungen und Künstlern viele Anregungen und Inspirationen erhielt.Ich bin auf die Kunstschule gegangen, habe aber ein großes Gefühl der Unvollständigkeit verspürt. Ganz langsam habe ich mich von bekritzelten Zetteln zu Wänden weitergearbeitet und bin Graffiti-Künstler geworden.

 

Wie würden Sie Ihre Kunst grundsätzlich beschreiben?

2008 habe ich [die Graffiti-Kunst] aufgegeben, weil ich glaubte, keine Innovation mehr zu haben. Ich habe zahlreiche Techniken auf Leinwand getestet; Acryl- und auch Spray-Farben.

Nach weiterer Recherche begann ich mich auf analoge Illustrationen zu konzentrieren – Tinte, Wasserfarbe, Bleistift – und bin in viele komplexe Linien eingetaucht. Aber umso mehr Zeit vergeht, desto mehr fühle ich, dass ich mich synthetisieren und meine Sprache vereinfachen muss. Dabei war das digitale Zeichnen eine große Hilfe. Die Erschaffung von Figuren meiner Vorstellungswelt nur mit geometrischen Formen ermöglicht mir, euch die Welt und das, was uns umgibt, auf meine Art zu zeigen. Beginnend mit der digitalen Zeichnung liebe ich es jedoch, das auf dem Bildschirm entstandene auf verschiedene Träger zu bringen, es zu gebären und materialisieren. In den letzten Monaten habe ich Flachreliefs kreiert, die aus einer Software entstehen und dann auf Holz oder diversen anderen Materialien lebendig werden.

 

Wie entstand das Living Alphabet-Projekt? Können Sie uns Ihre Vision für dieses Projekt beschreiben?

Living Alphabet ist entstanden, weil ich wieder mit Buchstaben spielen wollte, so wie ich es beim Graffiti getan habe. Es entstand aus dem Bedürfnis, mich in einer Form auszudrücken, mit der jeder etwas anfangen kann, wie das Alphabet oder einzelne Buchstaben, aus denen man zum Beispiel seinen eigenen Namen zusammensetzen kann. Es sind kindische Formen. Ich versetze mich in die Lage eines Kindes, das in die Schule geht, dem aber die Formen der Buchstaben nicht gefallen. Also fängt es an, sie mit seiner Vorstellungskraft zu verändern und eine Welt zu kreieren, die es mit seinen Klassenkameraden teilen kann.

 

Technische Kunst

„Krypto-Kunst ist mehr als ein Hype“, sagt Roma Soida, russischer Künstler und Erschaffer der Matches Boxes-Reihe aus NFT-Kunstwerken auf Bullish Art.

„Sie ist definitiv eine Welle, die das aktuelle Niveau der Weltkunst verändert. Und sie wird bleiben.“

Den Zahlen zufolge scheint es sicherlich so. Der NFT-Tracker nonfungible.com berichtete, dass der NFT-Markt im ersten Quartal des Jahres 2021 über 2 Milliarden USD wert war. Nur knapp weniger als die Hälfte wurde durch NFT-Kunst erwirtschaftet. MarketWatch berichtete im September, dass OpenSea, der größte NFT-Marktplatz, im August den zehnfachen Handelsumsatz als noch im Monat zuvor erreichte.

Diejenigen, die gerade erst in die Welt der NFT-Kunst eingeweiht (oder noch nicht eingeweiht) sind, werden früher oder später fragen, warum es wichtig ist, einen einzigartigen digitalen Token an ein Kunstwerk zu binden. Die geläufige Antwort ist, dass es den Leuten ermöglicht, Kunst sicher zu besitzen, schätzen, kaufen oder tauschen, ohne sich Sorgen über die Herkunft oder die endlose Reproduzierbarkeit der digitalen Welt zu machen.

Eine Reaktion auf die NFT-Kunst ist, die Beziehung zwischen Kunst und Wert in Frage zu stellen. Digitale NFT-Kunst wird für mehrere Millionen Dollar verkauft, aber kann sie wirklich mit traditioneller Kunst verglichen werden? Bei der traditionelleren Kunst erhält der Käufer wahrscheinlich ein physisches Kunstwerk, aber digitale Kunst besteht nur aus Bytes von Daten, die ein .JPEG oder eine andere Bilddatei umfasst, die dann unendlich oft kopiert werden kann. Was genau wird auf dieser Grundlage an Wert gekauft und verkauft?

„Abgesehen von der visuellen Freude, sich ein physisches Objekt anzusehen, liegt beinah der gesamte Wert von Kunst in einem sozialen Konstrukt“, sagt Soida.

„Der Sammler kauft Koons’ Stahlskulptur Rabbit. Was er kauft gehört zum Leben, zu den Ideen, der Popularität und dem Erfolg des Künstlers. Krypto-Kunst ist in diesem Sinne die ideale Manifestation der Trennung eines Kunstwerks von einem physischen Objekt. Dies ist pure konzeptionelle Abstraktion, angewendet auf den Begriff des Eigentums. Krypto-Kunst verspricht, dass alles, was Sie kaufen, garantiert einzigartig ist. Ein Künstler erschafft nur einen Token und indem Sie ihn kaufen, erstehen Sie das exklusive Recht, dieses Kunstwerk Ihr Eigentum zu nennen.“

Soidas Verweis auf Jeff Koons’ Skulptur Rabbit ist treffend. Die 1986 entstandene Reihe umfasst drei knapp 91 cm große merkmallose Hasen-Skulpturen aus Edelstahl. Eine von ihnen wurde erst im Jahr 2019 für 91,1 Millionen USD verkauft. Hat der Käufer also lediglich Edelstahl im Wert von beinah 100 Millionen USD gekauft? Die Antwort lautet selbstverständlich „nein“.

Ändert sich die Antwort dadurch, dass es sich um eine Skulptur in einer Reihe identischer Skulpturen handelt?

 

Teil der Matches Box-Reihe von Roma Soida

 

Token als Kunst

„Natürlich sind auch ethische Probleme mit der Erschaffung von Werken über einen Algorithmus mit dem anschließenden Verkauf, der Verlagerung von Handarbeit, dem Tod des Autoren, Urheberrecht und vielem mehr verbunden“, sagt Soida.

„Diese Probleme existieren jedoch auch in allen anderen Bereichen der modernen Gesellschaft und sie sind natürlich auch indirekt in der Welt der Krypto-Kunst präsent.“

Soidas Worte klingen glaubhaft, wenn man an die üblichen Reaktionen auf jede neue rekordbrechende NFT-Kunstauktion denkt, die dem Künstler Millionen von Dollar einbringt. Die Kritik ist oft eine Reaktion auf den Preis: Wie kann ein Token, der zu einem digitalen Kunstwerk führt, nur so viel Geld wert sein? Sie können das Hin-und-Her über Koons und den Preis, der für seine Arbeit gezahlt wird, lesen, um zu sehen, dass diese Art von Kritik schon auf viel traditionellere Kunstformen angewendet wurden, lang bevor es NFTs gab.

Ganz im Gegenteil – die Unterschiede, die der Blockchain-basierten Kunst zugeschrieben werden, fördern die Form eher als dass sie sie reduzieren. Das Internet und die breite Palette an digitalen Werkzeugen, die beinah jedem zur Verfügung stehen, führen dazu, dass die Hürden für das Erschaffen von Kunst niedriger sind als je zuvor, während die Methoden, die für potenzielle und erfahrenen Künstler verfügbar sind, exponentiell steigen.

„Die Blockchain-Technologie hat die Fähigkeit, viele legale Prozesse, die vorher schwierig zu dokumentieren waren, zu objektivieren und regulieren“, erklärt Soida.

„Es scheint, als hätte die Kunstwelt keine andere Wahl gehabt, als ein digitales Gegenstück zu schaffen, denn die Anzahl der kreativen Disziplinen und Teilnehmer hat unsagbar an Volumen zugenommen, und jeder möchte sich mitteilen, eine Spur hinterlassen und natürlich auch damit Profit machen.“

„Dementsprechend ändert sich auch die Art der Repräsentation, der Kommunikation – aber die Formen der Interaktion bleiben die gleichen. Sie wird nur von neuen Werkzeugen überschwemmt: Kuration, Verkauf, Sammeln, Bewertung, Werbung, legale Dienste, ethische Rahmenbedingungen für die Archivierung, Aufbewahrung und so weiter.“

Trotz der vielen Arten, auf die die NFT-Technologie sowohl der Kunst als auch dem Künstler dienen kann, führen die üblichen Gespräche über die Token-Kunst jedoch nicht über den Preis hinaus.

„Die gleiche Geschichte gibt es in der Kunstwelt schon seitdem Fotografen und Kupferstecher anfingen, ihre Werke zu verkaufen“, meint Soida.

„Signierte Drucke in limitierter Auflage kosten unvergleichbar mehr als Stücke, die industriell gefertigt wurden: Umso kleiner die Anzahl der Exemplare, desto höher der Preis.“

Trotz Soidas Position wäre es verständlich, wenn Künstler von einer übertriebenen Fixierung auf Kunstpreise frustrier wären, aber diese nebensächlichen Überlegungen – nicht nur, wie viel ein NFT auf dem Markt einbringen könnte, sondern auch welche Blockchain verwendet werden sollte und wie viele Exemplare gemined werden – sind ebenfalls Teil des künstlerischen Prozesses. Bedeutet das, dass diese Überlegungen auch ein untrennbarer Teil der Kunst sind?

„Hierüber scheiden sich die Geister der Künstler – einige denken, dass es eine totale Innovation ist und andere halten es für keine gute Idee“, sagt der italienische Künstler Francesco Buonfino.

„Der Mining-Prozess beinhaltet sicherlich Entscheidungen über die Anzahl der Exemplare, aber auch über die Entwicklung einer Reihe. Ich arbeite gerne mit Reihen, gebe den Zeichnungen Kontinuität, erschaffe eine Hintergrundgeschichte für meine Arbeit. Ich mag es nicht, einfach Einzelstücke herauszugeben, ohne Sinn oder mit einer einzigen empirischen Bedeutung.“

„Jeder muss die Freiheit haben, sich auszudrücken, aber auch in die Kreationen der Künstler einzutauchen und die Möglichkeit zu haben, etwas zu sammeln, das wertvoll ist – und zwar nicht nur finanziell.“

Nehmen wir beispielsweise Buonfinos Reihe Living Alphabet, die aus 26 Kunstwerken besteht, die jeden Buchstaben des englischen Alphabets repräsentieren, sowie einem Index, der alle Buchstaben umfasst. Von jedem Buchstaben gibt es 50 Editionen und es sind 300 Exemplare des Index verfügbar. Aber Nutzer, die die gesamte Buchstaben-Reihe besitzen, sind zusätzlich dazu berechtigt, sich für einen BART, den eigenen BullishArt-Token, zu bewerben, der innerhalb des BullishArt-Ökosystems für Dinge wie Kunst-Sponsoring oder Künstler-Investment ausgegeben werden kann.

Oder wie wär’s mit dem neuen rekordbrechenden REPLICATOR- NFT des kanadischen Künstlers Mad Dog Jones? Jedes Kunstwerk repliziert sich alle 28 Tage, und kreiert damit bis zu sieben Generationen von Kunstwerken, die mit dem ursprünglichen Werk assoziiert sind. Das Eigentum an der Abstammungslinie wird mit jedem Verkauf des ursprünglichen Kunstwerks übertragen. Genauso wie bei einem Drucker besteht jedoch eine kleine Chance, dass ein Exemplar „klemmt“ und nicht repliziert werden kann. REPLICATOR wurde für 4,1 Millionen USD verkauft.

Solche Innovationen sind untrennbar mit ihrem Medium verbunden.

 

China man von Francesco Buonfino

 

 

NFTs, BSV und BullishArt

Eine Wahl, vor der Künstler, die NFT-basierte Kunst schaffen wollen, stehen, ist die Wahl einer Plattform.

Sowohl Soida als auch Buonfino haben ihre NFT-Reihen auf BullishArt, einer kuratierten NFT-Kunstplattform, herausgegeben. Künstler, die BullishArt nutzen, entscheiden sich, auf welcher Blockchain sie ihre NFTs minen möchten. Die Plattform smined NFTs auf vielen Blockchains – eine der wenigen, die dies tun. Sowohl Soidas Matches Box -Reihe als auch Francescos Living Alphabet-Reihe werden auf der BSV-Blockchain geschürft.

„Meine Reise in die Welt der NFTs zusammen mit BullishArt ist wirklich positiv. Sie haben ein engagiertes Team, mit dem ich bereits seit dem ersten Tag großartig zurechtkomme“, sagt Buonfino.

„Sie haben viel Zeit investiert, mich und andere Künstler über die verschiedenen Optionen der Blockchains zu informieren. Im Gegensatz zu anderen Projekten, setzt sich BullishArt wirklich für die Interessen der Künstler ein und bietet verschiedene Möglichkeiten. BSV war das jüngste Angebot und ich war sehr beeindruckt von der Idee, dass die NFTs zu 100 % auf der Blockchain sind.“

„Mir war die BSV nicht bekannt, aber das Team von BullishArt hat mir diese neue Lösung für NFTs vorgestellt und mir wurde bald bewusst, dass NFTs bei der BSV 100 % on-chain sind“, sagt Soida.

„Das war sehr interessant und ich lernte mehr über die Vorteile der BSV in Bezug auf die Skalierung und die Annehmlichkeiten der Transaktionen.“